Bertolt Brecht
Nuestro Drama debe plantear y plateará las mismas cuestiones que plantaban los griegos; es decir, la gran pregunta de que con que propósito nos separamos después de que hemos estado reunidos. Pues como toda acción que realiza el hombre, el drama es una lucha contra la caducidad
sábado, agosto 6
Bertolt Brecht
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domingo, julio 31
domingo, julio 24
Bill Kelley
lunes, julio 18
libro sobre cine boliviano en la OPINION de Cochabamba
Acaba de salir de imprenta el libro Una cuestión de fe. Historia (y) crítica del cine boliviano de los últimos 30 años (1980-2010), de Santiago Espinoza A. y Andrés Laguna, cuyo lanzamiento oficial será en un par de semanas. Se trata de una nueva aproximación a la cinematografía nacional de las últimas décadas, que viene a complementar el trabajo anterior realizado por los autores, El cine de la nación clandestina, en un esfuerzo por cubrir el vacío bibliográfico sobre el audiovisual boliviano reciente. A manera de celebrar esta nueva publicación, realizada gracias a una beca de la Comisión de Fomento a la Cultura de la Fundación Herrmann y editada por Nuevo Milenio, adelantamos un fragmento de su parte conclusiva.
Los últimos treinta años han sido determinantes para la historia del cine boliviano, pues no sólo sus temáticas, reflexiones y preocupaciones se han multiplicado, sino que gracias a la llegada del digital, nunca antes había sido tan fecundo y accesible. Si bien desde su nacimiento el cine boliviano ha sufrido muchas transformaciones, en este último periodo vivió algunas de las más radicales, nunca antes fue tan fácil realizar una película en nuestro país. Gracias a las revoluciones tecnológicas, vivimos tiempos en los que el cine está al alcance de prácticamente cualquiera, lo más interesante es que su accesibilidad no sólo se limita a la producción, sino también a su consumo y a su distribución. Hoy día ya no es complicado que los realizadores y los espectadores estén al tanto de lo que se está haciendo, reflexionando y proponiendo en el resto del mundo. Jamás la cinematografía nacional tuvo tantas posibilidades de dialogar y de interactuar con otras visiones artísticas, con otras cosmologías, con otras estéticas y con otras éticas.
La considerable reducción de casi todas las limitaciones que representa el boom digital y su constante evolución, abrió la posibilidad de hacer cine barato, sin necesidad de tener enormes conocimientos técnicos y académicos, representó una suerte de ruptura de reglas que muchas veces, a causa de la falta de lucidez y de la ignorancia, tuvo resultados desastrosos. Pues si bien todo proceso creativo fértil implica la ruptura de las reglas establecidas, por lo menos en teoría, primero se las debe conocer y se debe saber por qué se las rompe. Siguiendo el ejemplo de Picasso, que se pasó buena parte de su juventud copiando a los grandes maestros para, después de asimilar sus técnicas, romper con la tradición e innovar, para revolucionar al mundo con el cubismo o el surrealismo, los directores bolivianos deben sentirse en la obligación de ser maestros en cine clásico, antes de aventurarse a realizar proyectos arriesgados y personales, deben conocer los cimientos que los sostienen.
Lo que es innegable es que, desde 1980 hasta 2010, en algunos casos muy puntuales se logró renovar el discurso fílmico nacional, se buscaron caminos alternativos a los construidos por los indiscutibles popes del séptimo arte en Bolivia, Jorge Ruiz y Jorge Sanjinés, que a su manera marcaron con fuego nuestro imaginario y nuestra forma de pensar a la cinematografía. Algunos directores realizaron sus películas con inteligencia y libertad, sin dejar de dialogar y de nutrirse de la extensa, de la vital, tradición local y global. En ese sentido, se debe mencionar con especial admiración a lo que hicieron Marcos Loayza en Cuestión de Fe, Rodrigo Bellott en Dependencia sexual, Martín Boulocq en Lo más bonito y mis mejores años, Miguel Valverde y Alexander Muñoz en Airamppo. Semilla que tiñe, Tomás Bascopé en El ascensor, Germán Monje en Hospital obrero y, tal vez el punto más alto del cine boliviano de los últimos años, Juan Carlos Valdivia en Zona sur, entre otros.
En la última década se ha discutido hasta el hartazgo sobre el verdadero valor del digital, sobre su legitimidad, sobre la posibilidad de hacer cine con un formato que no tiene la misma calidad –de imagen y de sonido-, pero en los debates se suele olvidar lo esencial. Como decía Jean-Luc Godard en una entrevista que le concedió a la edición francesa de Cahiers du Cinema, publicada en abril del 2000: “Lo importante es qué se hace y por qué se hace”. No el soporte en que se hace. Así como el celuloide tiene convenientes e inconvenientes, el digital también los tiene, siempre los tendrá, entre los más graves y los que más daño le hacen al cine boliviano está la proliferación de la falta de rigor. Pero estamos convencidos que debatir sobre las bondades y carencias de un soporte, es un diálogo formal, casi estéril, poco trascendente. Lo que nos debe interesar, lo que nos debe desvelar, son los discursos y propuestas del cine boliviano. Hemos dicho incesantemente que gracias al boom digital potencialmente todo el mundo puede hacer cine. Las posibilidades están abiertas. Ahora, sólo queda esperar a que se haga más cine, no remedos de cine. Pues, se sabe, el arte cinematográfico debe ser mucho más que registrar con una cámara una sucesión de hechos, debe contener una ética y una estética, además, éstas deben ser coherentes entre ellas.
La enorme proliferación de películas, realizadas en diferentes soportes, con diferentes técnicas, con diferentes discursos, con diferentes objetivos, con diferentes propuestas, con diferentes intereses, con diferentes argumentos, con diferentes temáticas, nos conducen a repensar qué es el cine boliviano, a repensar cómo se puede definir al cine boliviano. Han quedado muy lejos los tiempos en los que se podía decir sin pestañear que el cine nacional es un arte preponderantemente indigenista, político o de denuncia. Se podría ensayar una respuesta rápida, que caiga en facilismos, y apuntar que es un “cine de la diferencia”, un “cine pluri/multi”, siguiendo la dinámica de los discursos políticos en boga. Pero eso sería tan vago como poco preciso. Pues, después de todo, casi todas las tradiciones cinematográficas se constituyen a partir de la diferencia, muchas tradiciones suelen construir una gran tradición que los críticos e historiadores tienden a llamar con grandilocuencia “Cine nacional”. http://www.opinion.com.bo/opinion/ramona/2011/0710/suplementos.php?id=1135
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Tomas Bascope
Lo estético
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miércoles, julio 13
Tender hacia la sencillez supone tender
a la profundidad de la vida representada.
a la profundidad de la vida representada.
Pero encontrar el camino más breve
entre lo que se quiere decir
entre lo que se quiere decir
y lo realmente representado en la
imagen finita
es una de las metas más arduas
en un proceso de creación.
en un proceso de creación.
Andrei Tarkovsky
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martes, julio 12
El verosímil
Las Bellas durmienets 2011
194. El verosímil se cimienta en el universo propio del guión y su factibilidad de la relación de ese universo con el universo del espectador.
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jueves, junio 30
jueves, junio 23
miércoles, junio 22
martes, junio 14
25 años sin Borges
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miércoles, junio 8
afiche Bolivia
191. “Sorprender e intrigar, dos palabras claves para cualquier narrador” Gustavo Cobo Borda.
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martes, junio 7
viernes, junio 3
martes, mayo 31
Se estrena en Argentina el documental iberoamericano “¿Qué culpa tiene el tomate?”
Un documental realizado en 7 países iberoamericanos por igual número de directores, entre ellos el peruano Josué Méndez, se estrenará comercialmente esta semana en Buenos Aires.
¿Qué culpa tiene el tomate? plantea seguir el recorrido que realizan los alimentos que recibimos todos los días, a través de los mercadillos que encontramos en nuestros barrios: “Cuando la comida va de la planta a tu mesa sin el supermercado en el medio. Siete países, siete mercados populares, siete culturas diferentes, siete directores, siete miradas distintas”.
El documental es dirigido por Alejo Hoijman (Argentina), Marcos Loayza (Bolivia), Josué Mendez (Perú), Carolina Navas (Colombia), Paola Vieira (Brasil), Alejandra Szeplaki (Venezuela) y Jorge Coira (España). Se rodó a fines del 2007. Josué Méndez grabó su segmento en el Mercado Mayorista de frutas de La Victoria, en Lima. La producción se completó a inicios del 2008. Entonces fue elegida para la Selección Oficial del MoMA, de New York. El título internacional del documental es “From the Land to Your Table”.
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miércoles, mayo 25
Antonio Buero Vallejo:
jueves, abril 7
Richard Wagner
domingo, abril 3
voz Aymara:
miércoles, marzo 30
lunes, marzo 28
Linda Seger:
zoila
185. “Teniendo en cuenta la naturaleza humana,
un personaje es más que un conjunto de coherencias”
Linda Seger
un personaje es más que un conjunto de coherencias”
Linda Seger
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sábado, marzo 26
Texto para el ciclo de Martes de Cine Español:
Es difícil hablar de manera fría y académica del cine español actual, uno porque a diferencia de otras cinematografías, es un cine muy vigoroso y diverso, que siempre ha sabido acoger diversos idiomas, culturas y géneros; pero sobre todo, ha sabido acoger maneras muy diversas de ver, hacer y entender el arte del cinematógrafo. Y dos porque nosotros por varias razones siempre nos hemos sentido muy cercanos e influenciados por él, en todas sus vertientes y facetas.
Pero para llegar al lugar privilegiado donde se encuentra, como todas las cinematografías exitosas, ha tenido que recorrer un camino largo, marcado por el trabajo, la lucha, y sobre todo, ha tenido que mantener la lucidez y el debate sobre su porvenir. Tal vez el inicio de ese cambio de rumbo lo podemos encontrar en la famosa acta de Salamanca, el terreno estaba abonado a pesar de las malas condiciones políticas, o tal vez justamente debido a ellas, Berlanga ya había estrenado BIENVENIDO MR MARSHALL. Juan Antonio Bardem regresaba de ganar en Cannes del 55 con su MUERTE DE UN CICICLISTA y se junto con colegas suyos, críticos y estudiosos, en un encuentro organizado por cineclubistas. Se citaron en la universidad mas antigua de España donde firmaron un balance autocrítico, donde calificaban radicalmente que su cine era políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo e industrialmente raquítico. Y solicitaron una política participación congruente del Estado.
A partir de ahí, y sabiendo lo que se quiere, empezaron a trabajar en esa dirección y los resultados se dieron en los años siguientes: con los clásicos de Berlanga, los aportes de Azcona, años después llegaron los trabajos de Carlos Saura, Víctor Erice, Jaime Chavarri, José Luis Garci, Bigas Luna, Gutierres Aragon, Pilar Miro, Pedro Almodóvar, Mario Camus, Fernando Fernán Gómez, Fernando Trueba, Vicente Aranda, Alex de la Iglesia, Julio Medem, Alejandor Almenabar, Benito Zambrano, Iciar Bollain, Jaime Rosales, Montxo Armendáriz e Isabel Coixet.
Para suerte de todos nosotros en Martes de Cine podemos contar con una muy buena selección sin desperdicio donde las obras pueden dar fe de que ahora tienen un cine políticamente participativo, socialmente comprometido, intelectualmente diverso e intenso, estéticamente también diverso y muchas veces a la vanguardia y sobre todo: industrialmente vigoroso.
viernes, marzo 25
Mkee y desarrollo de personajes.
Caudia Gaensel y Cacho Mendieta en "el corazón de Jesús", 2004
184. Mkee recomienda en el desarrollo que lo mejor que les pasa a los personajes es para peor, y lo peor que les sucede es para mejor.
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jueves, marzo 24
Wilder y la Entrada de personajes:
lunes, marzo 21
Orson Welles:
sábado, marzo 19
mas sobre melodrama:
181. El melodrama como la literatura del desastre
provisto de personajes pasivos con sentimientos intensos,
pero simples.
provisto de personajes pasivos con sentimientos intensos,
pero simples.
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viernes, marzo 18
melodrama
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jueves, marzo 17
tiempo, dialogos
eictv
179. El cine con todos sus recursos solamente evidencia el tiempo,
por eso los diálogos están marcados por el tiempo,
obligados a tomar en cuenta su duración ,
el ritmo, la musicalidad y el silencio.
por eso los diálogos están marcados por el tiempo,
obligados a tomar en cuenta su duración ,
el ritmo, la musicalidad y el silencio.
sábado, marzo 12
a la hora de la escritura:
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lunes, marzo 7
Rafael Azcona:
Devil girl from Mars
178. ¿Puedo decir que me jode mucho el reverencial respeto por la lágrima y gratuito desdén por la carcajada? Rafael Azcona.
jueves, marzo 3
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