buen Guión

196.    No tratar de hacer bien el guión,

 sino de hacer un   buen guión.

Bill Kelley

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"Cuando mañana en la mañana, bajes las gradas de tu casa, deja tu mente en blanco y escucha tu propio silencio, entonces tus personajes te hablarán"

libro sobre cine boliviano en la OPINION de Cochabamba

Acaba de salir de imprenta el libro Una cuestión de fe. Historia (y) crítica del cine boliviano de los últimos 30 años (1980-2010), de Santiago Espinoza A. y Andrés Laguna, cuyo lanzamiento oficial será en un par de semanas. Se trata de una nueva aproximación a la cinematografía nacional de las últimas décadas, que viene a complementar el trabajo anterior realizado por los autores, El cine de la nación clandestina, en un esfuerzo por cubrir el vacío bibliográfico sobre el audiovisual boliviano reciente. A manera de celebrar esta nueva publicación, realizada gracias a una beca de la Comisión de Fomento a la Cultura de la Fundación Herrmann y editada por Nuevo Milenio, adelantamos un fragmento de su parte conclusiva. 

Los últimos treinta años han sido determinantes para la historia del cine boliviano, pues no sólo sus temáticas, reflexiones y preocupaciones se han multiplicado, sino que gracias a la llegada del digital, nunca antes había sido tan fecundo y accesible. Si bien desde su nacimiento el cine boliviano ha sufrido muchas transformaciones, en este último periodo vivió algunas de las más radicales, nunca antes fue tan fácil realizar una película en nuestro país. Gracias a las revoluciones tecnológicas, vivimos tiempos en los que el cine está al alcance de prácticamente cualquiera, lo más interesante es que su accesibilidad no sólo se limita a la producción, sino también a su consumo y a su distribución. Hoy día ya no es complicado que los realizadores y los espectadores estén al tanto de lo que se está haciendo, reflexionando y proponiendo en el resto del mundo. Jamás la cinematografía nacional tuvo tantas posibilidades de dialogar y de interactuar con otras visiones artísticas, con otras cosmologías, con otras estéticas y con otras éticas.

La considerable reducción de casi todas las limitaciones que representa el boom  digital y su constante evolución, abrió la posibilidad de hacer cine barato, sin necesidad de tener enormes conocimientos técnicos y académicos, representó una suerte de ruptura de reglas que muchas veces, a causa de la falta de lucidez y de la ignorancia, tuvo resultados desastrosos. Pues si bien todo proceso creativo fértil implica la ruptura de las reglas establecidas, por lo menos en teoría, primero se las debe conocer y se debe saber por qué se las rompe. Siguiendo el ejemplo de Picasso, que se pasó buena parte de su juventud copiando a los grandes maestros para, después de asimilar sus técnicas, romper con la tradición e innovar, para revolucionar al mundo con el cubismo o el surrealismo, los directores bolivianos deben sentirse en la obligación de ser maestros en cine clásico, antes de aventurarse a realizar proyectos arriesgados y personales, deben conocer los cimientos que los sostienen. 

Lo que es innegable es que, desde 1980 hasta 2010, en algunos casos muy puntuales se logró renovar el discurso fílmico nacional, se buscaron caminos alternativos a los construidos por los indiscutibles popes del séptimo arte en Bolivia, Jorge Ruiz y Jorge Sanjinés, que a su manera marcaron con fuego nuestro imaginario y nuestra forma de pensar a la cinematografía. Algunos directores realizaron sus películas con inteligencia y libertad, sin dejar de dialogar y de nutrirse de la extensa, de la vital, tradición local y global. En ese sentido, se debe mencionar con especial admiración a lo que hicieron Marcos Loayza en Cuestión de Fe, Rodrigo Bellott en Dependencia sexual, Martín Boulocq en Lo más bonito y mis mejores años, Miguel Valverde y Alexander Muñoz en Airamppo. Semilla que tiñe, Tomás Bascopé en El ascensor, Germán Monje en Hospital obrero y, tal vez el punto más alto del cine boliviano de los últimos años, Juan Carlos Valdivia en Zona sur, entre otros.

En la última década se ha discutido hasta el hartazgo sobre el verdadero valor del digital, sobre su legitimidad, sobre la posibilidad de hacer cine con un formato que no tiene la misma calidad –de imagen y de sonido-, pero en los debates se suele olvidar lo esencial. Como decía Jean-Luc Godard en una entrevista que le concedió a la edición francesa de Cahiers du Cinema, publicada en abril del 2000: “Lo importante es qué se hace y por qué se hace”. No el soporte en que se hace. Así como el celuloide tiene convenientes e inconvenientes, el digital también los tiene, siempre los tendrá, entre los más graves y los que más daño le hacen al cine boliviano está la proliferación de la falta de rigor. Pero estamos convencidos que debatir sobre las bondades y carencias de un soporte, es un diálogo formal, casi estéril, poco trascendente. Lo que nos debe interesar, lo que nos debe desvelar, son los discursos y propuestas del cine boliviano. Hemos dicho incesantemente que gracias al boom digital potencialmente todo el mundo puede hacer cine. Las posibilidades están abiertas. Ahora, sólo queda esperar a que se haga más cine, no remedos de cine. Pues, se sabe, el arte cinematográfico debe ser mucho más que registrar con una cámara una sucesión de hechos, debe contener una ética y una estética, además, éstas deben ser coherentes entre ellas. 

La enorme proliferación de películas, realizadas en diferentes soportes, con diferentes técnicas, con diferentes discursos, con diferentes objetivos, con diferentes propuestas, con diferentes intereses, con diferentes argumentos, con diferentes temáticas, nos conducen a repensar qué es el cine boliviano, a repensar cómo se puede definir al cine boliviano. Han quedado muy lejos los tiempos en los que se podía decir sin pestañear que el cine nacional es un arte preponderantemente indigenista, político o de denuncia. Se podría ensayar una respuesta rápida, que caiga en facilismos, y apuntar que es un “cine de la diferencia”, un “cine pluri/multi”, siguiendo la dinámica de los discursos políticos en boga. Pero eso sería tan vago como poco preciso. Pues, después de todo, casi todas las tradiciones cinematográficas se constituyen a partir de la diferencia, muchas tradiciones suelen construir una gran tradición que los críticos e historiadores tienden a llamar con grandilocuencia “Cine nacional”.  http://www.opinion.com.bo/opinion/ramona/2011/0710/suplementos.php?id=1135

Lo estético

'

Fotograma de LAS BELLAS DURMIENTES

195.    Lo estético es un fin en si mismo.

Tender hacia la sencillez supone tender
a la profundidad de la
vida representada. 

Pero encontrar el camino más breve 
entre 
lo que se quiere decir 

y lo realmente representado en la 
imagen finita 

es una de las metas más arduas 
en un proceso
de creación.  

Andrei Tarkovsky

El verosímil

Las Bellas durmienets 2011

194.    El verosímil se cimienta en el universo propio del guión y su factibilidad de la relación de ese universo con el universo del espectador.

Potosi

193 .    No pierdas la oportunidad de hablar con los protagonistas de tu historia.

consejo de Chejov:

“hay que empezar el cuento en la segunda página”
Chejov

ritmo

rodaje LAS BELLAS DURMIENTES

192.    Se alimenta los oídos con tus propios latidos.

25 años sin Borges

Cuba

"Uno llega a ser grande por lo que lee y no por lo que escribe"

afiche Bolivia

191.    “Sorprender e intrigar, dos palabras claves para cualquier narrador”  Gustavo Cobo Borda.

Toto Aparicio: "El sapo Estivariz¨

190. “Escribir es 
someterse al juicio 
de uno mismo”  
Ibsen

La Nacion califica de Buena, Que culpa tiene el tomate

Que Culpa Tiene el Tomate

Se estrena en Argentina el documental iberoamericano “¿Qué culpa tiene el tomate?”

Se estrena en Argentina el documental iberoamericano “¿Qué culpa tiene el tomate?”

Un documental realizado en 7 países iberoamericanos por igual número de directores, entre ellos el peruano Josué Méndez, se estrenará comercialmente esta semana en Buenos Aires.

¿Qué culpa tiene el tomate? plantea seguir el recorrido que realizan los alimentos que recibimos todos los días, a través de los mercadillos que encontramos en nuestros barrios: “Cuando la comida va de la planta a tu mesa sin el supermercado en el medio. Siete países, siete mercados populares, siete culturas diferentes, siete directores, siete miradas distintas”.

El documental es dirigido por Alejo Hoijman (Argentina), Marcos Loayza (Bolivia), Josué Mendez (Perú), Carolina Navas (Colombia), Paola Vieira (Brasil), Alejandra Szeplaki (Venezuela) y Jorge Coira (España). Se rodó a fines del 2007. Josué Méndez grabó su segmento en el Mercado Mayorista de frutas de La Victoria, en Lima. La producción se completó a inicios del 2008. Entonces fue elegida para la Selección Oficial del MoMA, de New York. El título internacional del documental es “From the Land to Your Table”.

Antonio Buero Vallejo:

Santa Cruz

189.    “Todo el que cuenta una historia la recarga” 

Antonio Buero Vallejo.

Richard Wagner

liztomania de Ken Rusell

188.    “Cuando uno crea no explica” Richard Wagner.

voz Aymara:

187.    “No cantes a la lluvia poeta, haz llover” (proverbio Aymará)

La mirada

 

 bogota

186.    Nunca dejar de alimentar tu mirada.

Linda Seger:

zoila

185.    “Teniendo  en cuenta la naturaleza humana,  
un personaje es más que un conjunto de coherencias”
Linda Seger

Texto para el ciclo de Martes de Cine Español:

Es difícil hablar de manera fría y académica del cine español actual, uno porque a diferencia de otras cinematografías, es un cine muy vigoroso y diverso, que siempre ha sabido acoger diversos idiomas, culturas y géneros; pero sobre todo, ha sabido acoger maneras muy diversas de ver, hacer  y entender el arte del cinematógrafo. Y dos porque nosotros por varias razones siempre nos hemos sentido muy cercanos e influenciados por él, en todas sus vertientes y facetas.

Pero para llegar al lugar privilegiado donde se encuentra, como todas las cinematografías exitosas, ha tenido que recorrer un camino largo, marcado por el trabajo,  la lucha, y sobre todo, ha tenido que mantener la lucidez y el debate sobre su porvenir. Tal vez el inicio de ese cambio de rumbo lo podemos encontrar en la famosa acta de Salamanca, el terreno estaba abonado a pesar de las malas condiciones políticas, o tal vez justamente debido a ellas, Berlanga ya había estrenado BIENVENIDO MR MARSHALL. Juan Antonio Bardem regresaba de ganar en Cannes del 55 con su MUERTE DE UN CICICLISTA y se junto con colegas suyos, críticos y estudiosos, en un encuentro organizado por cineclubistas. Se citaron en la universidad mas antigua de España  donde firmaron un balance autocrítico, donde calificaban radicalmente que su cine era políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo e industrialmente raquítico.  Y solicitaron una política participación congruente del Estado.

A partir de ahí, y sabiendo lo que se quiere, empezaron a trabajar en esa dirección y los resultados se dieron en los años siguientes: con los clásicos de Berlanga, los aportes de Azcona, años después llegaron los trabajos de Carlos Saura, Víctor Erice, Jaime Chavarri, José Luis Garci,   Bigas Luna, Gutierres Aragon, Pilar Miro, Pedro Almodóvar, Mario Camus,  Fernando Fernán Gómez, Fernando Trueba, Vicente Aranda, Alex de la Iglesia, Julio Medem, Alejandor Almenabar, Benito Zambrano, Iciar Bollain, Jaime Rosales, Montxo Armendáriz e Isabel Coixet.

Para suerte de todos nosotros en Martes de Cine podemos contar con una muy buena selección sin desperdicio donde las obras pueden dar fe de que ahora tienen un cine políticamente participativo, socialmente comprometido, intelectualmente diverso e intenso, estéticamente también diverso y  muchas veces a la vanguardia y sobre todo: industrialmente vigoroso.

Mkee y desarrollo de personajes.

Caudia Gaensel y Cacho Mendieta en "el corazón de Jesús", 2004

184.    Mkee recomienda  en el desarrollo que lo mejor que les pasa a los personajes  es para peor, y lo peor que les sucede es para mejor.

Wilder y la Entrada de personajes:

cine Santa Cruz.

1.    “No deben agolparse los personajes  para entrar en escena”  Billy Wilder.

Orson Welles:

182.    “El  meterse a juez  suele aburrir a los espectadores”  Orson Welles.

mas sobre melodrama:

181.    El melodrama  como la literatura  del  desastre 
provisto  de personajes pasivos con sentimientos  intensos, 
pero simples.

melodrama

180.    El melodrama es la retórica de los estereotipos y de los excesos.

tiempo, dialogos

eictv

179.    El cine con todos sus recursos solamente  evidencia el tiempo, 
por eso los diálogos están  marcados por el tiempo, 
obligados a tomar en cuenta su duración , 
el ritmo,  la musicalidad  y el silencio.

a la hora de la escritura:

La mano piensa.

Rafael Azcona:

Devil girl from Mars

178.    ¿Puedo decir  que me jode mucho el reverencial  respeto por la lágrima y gratuito  desdén por la carcajada?   Rafael Azcona.

Dios y el guión:

“Dios creó al hombre porque le apasionan las historias”

6 esquemas Dramáticos:

“Siembra un pensamiento, cosecha una acción. Siembra una acción cosecha un hábito, siembra un hábito cosecha un carácter, siembra un carácter cosecha un destino”. (Proverbio Chino)

1.     1.                El Héroe: basado en el mito de Teseo: que se encontró y mató al Minotauro en el Laberinto de Creta. Los personajes-héroes moldeados según Teseo son almas valientes capaces de enfrentarse a cualquier enemigo o de cumplir cualquier tarea por difícil que sea. El héroe se gana el favor de la audiencia en el sentido de que eleva el valor moral que conecta a la humanidad con lo que es bueno y decente.

2.     2.                La pareja de amigos: basado en el mito de Damon y Pitias suele ser una pareja de amigos que se embarcan juntos en alguna aventura, por ejemplo: Midnight Cowboy. Hay variaciones que incluyen dos iguales: Arma Letal, Un hombre y una mujer, El informe Pelícano... También este tipo de historia se refiere a un grupo de héroes que juntos se embarcan en una causa arriesgada.

3.     3.                La búsqueda imposible: se refiere a los personajes que se embarcan en una aventura noble, o viaje en lugar de simplemente luchar contra el villano. En este arquetipo se suele plantear el objetivo y luego como los personajes fracasan o no en su búsqueda.

4.     4.                El rey debe morir: este arquetipo trata de conflictos entre padres e hijos o con situaciones en las que el orden antiguo debe ser relevado por uno nuevo. Estas historias de rebelión pueden tomar muchas formas por ejemplo: que uno de los padres quiere quedarse con los hijos, conflictos edípicos, etc... Este arquetipo se refiere a dos importantes momentos en la vida de cada uno: separación del hijo o hija de sus padres y la individuación que es una necesidad interna para conseguir el sentido del yo, de uno mismo.

5.     5.                Medea: basado en la leyenda de Medea, en la idea del poder de la mujer. El arquetipo de Medea se separa de los antiguos arquetipos patriarcales presentando a una mujer que no está atada al dominio masculino.

6.     6.                Fausto: basado en la leyenda alemana del S.XVI, suele tratar de los extremos a los que llega la gente para conseguir lo que quieren. Hay una cualidad diabólica en muchas historias faústicas ya que la riqueza, el poder, el conocimiento que posee el protagonista, suele provenir de fuerzas corruptas. El poder corrupto puede ser una corporación, un grupo militar, una burocracia....