sábado, agosto 9

sobre la tragedia




Apuntes sobre la escritura de guiones en estos tiempos

Infinitamente agradecido a Jorge Ruffinelli uno de los grandes

críticos de nuestro continente, por eso deseo ofrecer unas cuantas

ideas sobre cine, aprovechando la presencia de ustedes, respetable

público, en esta presentación

No son pocos que piensan que el cine, a pesar de los avances de la

tecnología y de la cantidad de producción que se ha incrementado

en los últimos años, y del acceso que se tiene ahora mediante

varias ventanas de distribución y espacios alternativos, algunos al

margen de ley; en los últimos tiempos ha perdido algo que les era

esencial, algo que amaban y porque el habían entregado parte de

sus vidas.

Fueron testigos activos de batallas victoriosas contra aquellos que

deseaban hacer del séptimo arte un simple espectáculo, para

mostrar, por ejemplo, con gran despliegue de efectos, catástrofes

en tierra, aire o mar; testigos de batallas contra aquellos que

buscaron sacar provecho económico (“cine de exploitation”)

cruzando la línea de la moralidad y “el buen gusto”; batallas

ganadas contra aquellos que deseaban ponerse a la altura de las

groserías de los adolescentes a punto de perder la virginidad.

Pero ahora muchos de esos testigos piensan que todas las batallas

están perdidas. Muchos han dejado de escribir sus críticas, o ya no

tienen medios que se las publiquen; otros se han pasado de la

crítica a simplemente reseñar series, miniseries y shows del

streaming, y algunos simplemente han dejado de ver lo que ahora le

llaman cine para refugiarse en la literatura o la pintura.

Todas estas señales parecen indicar que ahora esos amantes de

antaño perdieron vigencia. Ahora encontrar y leer una crítica de cine

es algo excepcional.

Tal vez, de lo estoy hablando, lo atestigüe la última película de

Víctor Erice, que justamente que lleva el título de “cerrar los ojos”.

Que por cierto no se estrenó en nuestra ciudad.

Ahora, se pisa sobre seguro, a la gran industria, en general, le da

pereza arriesgar, a pesar de la gran cantidad de producciones que


se hacen: se hacen pocas cosas nuevas, (en la actualidad más del

70% de las producciones son remakes, secuelas, precuelas, spin

offs o adaptaciones de obras que ya fueron adaptadas, o de

novelas emblemáticas o éxitos de ventas)

Hoy en día es muy riesgoso hacer obras que rotule nuevos

caminos, que indague o propongan nuevos cánones, (en rigor, si

hay un mínimo espacio para un reducido grupo aristocrático

minoritario que trabajan deconstruyendo los lenguajes con sencillos

presupuestos). Y de alguna manera también conlleva un riesgo

mirar esas obras.

¿Cómo es que llegamos a este lugar? ¿Dónde encontrar sus i

inicios, o las primeras señales de esa pérdida? ¿Qué sucedió?

Creo que sucedieron varias cosas a la vez, es un cambio de era. Y

yo no soy ni él más calificado, ni el indicado para entender y

explicar esos acontecimientos y gestos como los vuelos de las

mariposas.

Y lejos de dar quejas y explicaciones aprovecho para de poner en

su consideración un par de ideas, muy simplificadas y tal vez

esquemáticas, solo como un punto de partida. solo como centros

que patea desde tiro de esquina un futbolista, a la espera de que

alguno le meta cabeza en esto, y la emboque; en realidad solo se

trata de lanzar un par de hipótesis provisorias, que seguramente

van a cambiar o termine abandonándolas y tienen que hacerlo,

porque sabemos que sucede cuando las ideas no circulan como la

sangre.

Antes el cine por suerte crecía y provocaba con muchas películas

que se hacían al margen de la gran industria y se luchaba para

poder ver y hacer circular ese otro cine; hecho por cineastas

jóvenes de las otras partes de mundo que se rebelaban contra la

sumisión de un cine a imagen y semejanza del cine de la gran

industria.

Esas otras nuevas cinematografías revisaban y hacían sus propias

propuestas; y entre los argumentos principales que cuestionaban

estaba la manera de contar historias, entre esas discusiones se

cuestionaba cuan alejadas o en contraposición deberían ser


estructuradas las historias con relación al texto: la poética de

Aristocles sobre la manera de hacer tragedias.

En ese debate es que algunos defendían armar los guiones a partir

del texto de Aristóteles y otros más bien pensaban que era tiempo

de desterrarlo y crear nuevas maneras de estructuras los dramas de

los personajes, como lo estaban haciendo él teatro de Becket o

Ionesco.

Lo cierto es que hasta ahora sigue presente la cuestión de usar o

no como punto de partida la poética de Aristóteles para la escritura

guiones. Las teorías de escritura de guion se dividen entre quienes

la poética es su punto de partida, junto a las teorías de los mitos; y

quienes tratan de negarla y buscar nuevos caminos.

Pero más allá de la estructura de tres actos, y la proporcionalidad

que hace a su belleza. Hay, creo, algo en él espíritu de la tragedia

que tiene que ver con nuestra necesidad interior de ver

representadas historias.

Pero mirando las cosas que se estrenan en las carteleras podemos

aventurarnos a una hipótesis de que la tragedia no ha muerto como

sostiene George Steiner, si no que ha sufrido una metamorfosis tan

aberrante como la de Gregori Samsa.

Para Aristóteles, en la tragedia el héroe trágico comete un error y

cae en cuenta que tiene que pagar un precio por su atrevimiento de

enfrentarse a los Dioses, al conocer las consecuencias de sus

errores asume su destino trágico, lección moral que el espectador

aprende mediante la catarsis.

En Nietzsche se trata, como en gran parte del arte, de una pulsión

entre: el pensamiento de la razón y él orden que le llama apolíneo

contra la intuición, él caos y los sentidos que viene de Dionicio.

En Hegel, no hace faltan los Dioses, son dos principios morales

legítimos que se enfrentan, o dos personajes que, desde puntos de

vista diversos, luchan a veces con los mismos principios morales. Y

él resultado debe ser la reconciliación.


Heidegger, Ya en este siglo, en cambio ve que la tragedia debe

plantear es un problema existencial, él héroe debe tener el valor de

abrir un espacio a la verdad, el valor de la revelación.

Pero ese desarrollo estuvo muy poco presente en él cine. ¿Por

qué?

Un paréntesis grande antes de seguir.

En una charla para justificarse como semiólogo Yuli Lotman

defendía su oficio, explicando que como en él refrán “cada

panadero alaba su pan” Cada uno consideraba lo suyo como lo más

importante; así él decía que estudiaba lo que nos distinguen a los

hombres de los animales: como es que se comunican los hombres.

Así los médicos salvan las vidas de los hombres, los artistas

retratan sus almas y los curas las salvan; los historiadores cuentan

cómo es que llegaron hasta ese lugar los pueblos, y los políticos

como salvan a las naciones y planifican su futuro.

Y, justamente es en los políticos donde más egos crecidos

desmedidamente se encuentran, es que ellos creen que es tan

importante su misión, que nada puede detenerlos, algunos hasta

creen que son profetas y por lo tanto consideran justo y necesario

que todos los demás, incluidos los artistas y creadores, les ayuden

a tan importante misión.

Y lo consiguieron.

Así la cultura y él arte se redujeron a simples herramientas, -y en

alguna sociedad de raíz más violenta, simplemente se las redujo a

ser: “un arma” al servicio de esa “importante misión” de los políticos.

A una gran mayoría les pareció correcto la subordinación de la

creación a una dirección política, en la medida que coincidía con la

dirección a donde ellos iban.

Algunos fueron más allá: les parecía correcto establecer una

dependencia orgánica, de los creadores y pensadores, con los

encargados de manejar la dirección política. No solo para

uniformizar los contenidos, sino que también se crearon

agrupaciones, sindicatos, asociaciones y uniones, que eran la

correa de transmisión del poder; y se dictaminaron qué función

debería cumplir el arte y que cosas debería hacer y sobre todo que


cosas no, y dictaminaron la función que debería tener él arte según

en qué estado creían que estaba la sociedad en su tan importante

misión política.

Esos grupos corporativos de asociaciones y uniones de artistas

pronto crearon una elite casi aristocrática que se adueñaron de los

medidores de la calidad de cada una de las obras. De su utilidad o

futilidad de las obras y de sus autores. Y de administrar los fondos

para que sigan o no haciendo su arte. Se crearon círculos viciosos

que inevitablemente terminaron en mediocridad.

En medio de eso nacían las vanguardias, de desmembraban y se

peleaban entre ellas y algunas otras se adscribían alguna causa

política y otras las condenaban.

En la Italia fascista, en la Unión Soviética Socialista y en la

Alemania Nazi “florecieron” orgánicamente agrupaciones

organizaciones de artistas e intelectuales que indicaron como

debería someterse él arte al proceso político, todos tenían en

común que tenían delante un solo enemigo a quien combatir y

vencer, la necesidad de destruir él pasado rescatando lo nacional,

proclamar lo nuevo que rotule él arte del porvenir, la necesidad de

rescatar los valores nacionales, la necesidad de sacrificio por esas

causas, la necesidad de glorificar a los héroes propios y demonizar

a los enemigos, defender la moral propia.

El mundo estaba entre las guerras y paralelamente al otro lado, en

el otro bando, también de manera corporativa se creó el código

Heinz, que además de considerar que los artistas deberían apoyar

directamente a la guerra como lo hicieron muchos de los cineastas

norteamericanos, tenía muchas coincidencias con los postulados de

sus enemigos. Después, de alguna manera, todo se profundizo con

la caza de brujas del Mcarthismo.

Con similares propósitos y métodos cada artista representaba sus

hagiografías, y le daba forma de mal al enemigo; el representante

del mal progresó, se convirtió en el antagonista, él mal que en

muchas de sus caras se enfrentaba a los héroes que defendían o

representaban las ideas de sus postulados políticos. Podríamos

escribir sobre el antagonista de las mil caras.


No se necesitaba héroes trágicos arquetípicos, sino solamente

valientes, ingeniosos y con algún poder solamente se encargue de

enfrentar a la encarnación del mal. El resultado es que los villanos

empezaron a cobrar protagonismo, tener más brillo y ser más

pintorescos en él mejor sentido de la palabra.

Creo que de tanto combatir el mal encarnado en variados y

extraños antagonistas Esa cosa esencial que creo tenía en él

espíritu de la tragedia que tiene que ver con nuestra necesidad

interior, la han dejado en él camino.

Ahora, por poner un ejemplo, héroe le llamamos a un ser que usa

un único y particular uniforme de látex que se puede usar como

disfraz y que se reúne con otros uniformados que combaten unos

exóticos personajes que solo son una pálida caricatura del mal. Y

como la talla no le alcanza y ha perdido toda humanidad, se usa él

oxímoron de “super-heroe”. Pero también, por poner otro ejemplo,

en él mejor de los casos, son pequeños héroes humanos que

luchan, o toman conciencia de alguna particularidad mundana del

mal, como la intolerancia, él abuso, el racismo, la ambición, o el

machismo.

Y no que esas cosas no estén mal y no tengamos que combatirlas,

pero creo que podemos aspirar contar historias que toquen o

intenten hacerlo, cosas esenciales de las que trato de escribir

Aristóteles, más allá de su estructura física y proporcionalidad.

Está es una lectura arbitraria y totalmente incompleta, de quien solo

escribe historias de antihéroes, porque lo mío no es la investigación

y sabiendo que supuesto que hay muchas otras maneras de ver

estos asuntos, pero a mí, hoy día, se me antojaba compartir está.

Como un en homenaje al maestro Jorge Ruffinelli por este texto, por

a sus valiosas y inolvidables conversaciones, Y también a los 200

años de nuestra querida y atormentada patria.

lunes, julio 21

Ralph Waldo Emerson

 

 


Sobre la densidad dramática se puede parafrasear a Emerson:

"si Patinas sobre una capa fina de hielo, tu salvación esta en la velocidad"


sábado, julio 19

John Cassavetes: Advertencia

Advertencia a los jóvenes directores: Dí aquello que eres 
 No lo que quisieras ser tampoco lo que deberías ser 
 con lo que eres, es suficiente
Advertencia a los jóvenes directores: 
 Dí aquello que eres 
 No lo que quisieras ser tampoco lo que deberías ser 
 con lo que eres, es suficiente

............................................................................................................................................................................................................................................................... John Cassavetes 1994 .

martes, junio 24

Roland Barthes

 

Escribo esto día tras día: va cuajando, va cuajando: el calamar produce su tinta: urdo mi imaginario (para protegerme y ofrecerme a la vez)


Roland Barthes

lunes, junio 23

sonido


 cuando escribas sobre el sonido y hagas las mezcla de tu película recuerda que el silencio es Oro

sábado, junio 21

Gilles Mouëllic

 "Escribir no es solamente (ni forzosamente) prever, organizar, planificar, controlar; también es pensar, poner en marcha un proceso de creación, un proceso que va a alimentar las elecciones que  deberán ser operadas en el rodaje"

Gilles Mouëllic



lunes, junio 16

Eugene Ionesco

 "Desgraciadamente muy a pesar mio. Espero, sin embargo, que detrás de mi mensaje aparente haya otra cosa. Algo que no conozco todavía, que se desvele tal vez... por si mismo... en la ficción."


Fragmento de "el peaton del aire"

viernes, junio 13

miércoles, junio 11

martes, junio 10

Caldo

 



Caldo.-    sustancia vital del guion que solo se consigue despues de mucho tiempo de cocimiento.






lunes, junio 9

TRAMPA

 



TRAMPA.-         Si te vas a hacer trampa, que sea cuando juegas solitario y no cuando escribas un guion.

(entrada de diccionario íntimo en preparación


lunes, mayo 5

León Felipe


 SÉ TODOS LOS CUENTOS

Yo no sé muchas cosas, es verdad.
Digo tan sólo lo que he visto.
Y he visto:
Que la cuna del hombre la mecen con cuentos,
que los gritos de angustia del hombre los ahogan
con cuentos,
que el llanto del hombre lo taponan con cuentos,
que los huesos del hombre los entierran con cuentos,
y que el miedo del hombre...
ha inventado todos los cuentos.
Yo no sé muchas cosas, es verdad,
pero me han dormido con todos los cuentos...
y sé todos los cuentos.

León Felipe

lunes, abril 14

Gonzalo Arango


 Los artistas no están al servicio de quienes hacen historia, sin de quienes la padecen

Gonzalo Arango, poeta nadaista

domingo, abril 13

Stephen King

 


El novelista es, después de todo, un mentiroso de Dios, si hace bien su trabajo, conservando la cabeza y el coraje, puede en ocaciones encontrar la verdad que subyace en el corazón de la mentira

Stephen King

jueves, abril 10

Kafka


 Escribo de un modo diferente al que hablo, hablo de un modo diferente al que debiera pensar y así sucesivamente hasta la más profunda oscuridad. (A Ottla y la familia).

domingo, abril 6

Marcos Loayza: “El dibujo tiene una capacidad de síntesis que no tiene la palabra”

El director considera que la imagen, a diferencia de las letras, no necesita tanto tiempo para ser entendida.


 

Ignacio Vera de Rada / La Paz 

Marcos Loayza Montoya (La Paz, 1959) estudió Arquitectura en la UMSA y Cine en la Escuela Internacional de Cine y Video de San Antonio de los Baños (Cuba). Así, a los 35 años debutó como guionista y director con Cuestión de fe, película que obtuvo valoraciones positivas de la crítica y varios reconocimientos en festivales de cine internacionales y que se convirtió en un clásico del cine boliviano. A esa cinta le siguieron largometrajes como Escrito en el agua (1998) o El corazón de Jesús (2004).

Además, a Marcos le gusta ver películas y leer, aunque admite que lee menos de lo que quisiera. También hace música (tiene un grupo  musical)  y entre sus autores y obras preferidos se cuentan Jaime Saenz (el de día, no el oscuro), Álvaro Mutis, los poetas de la generación del 28 y la poesía colombiana. También lee ensayo, teatro, crítica cinematográfica, libros de religión, filosofía (Pascal, Montaigne, Kierkegaard) y teoría del arte.

Siempre se interesó por distintas expresiones del arte que están más allá del cine. Desde ya hace varios años, el dibujo es una de ellas. En su taller, que es una buhardilla con cuadernos, pinceles y decenas de lápices de colores por doquier, Marcos Loayza, mientras va dibujando, me comparte aspectos sobre su vida como creador y sus ideas sobre la sociedad boliviana.

¿Cómo y cuándo nació tu pasión por el dibujo?

Dibujé toda mi vida, desde niño. En el colegio me la pasaba dibujando. Dibujé en Hoy, en Presencia, en La Razón, en Los Tiempos, en Caraspas, en Pulso… en todos esos medios y de diversas maneras. Recuerdo que había una columna, Moraleja, donde yo dibujaba, hasta que una persona, Exeni, les comenzó a aumentar cosas a mis dibujos para atacar a sus enemigos políticos, y por ese motivo renuncié. También había un suplemento económico donde tenía una tira… Algunas veces me invitaron a exponer y lo hice… Me considero solo un dibujante, no un artista plástico, ni un pintor, ni un ilustrador. Más allá de esto, también tuve programas de radio cuando era joven, en los que hablaba sobre música.

El dibujo es una manera de pensamiento. Esta radio o esta mesa (señala con el dedo) no puedes hacerlas con palabras; entonces, muchas creaciones que nacieron a partir de imágenes se las tuvo que dibujar. Una casa, un tornillo, nacieron como un dibujo. Hay muchas cosas que solo se pueden entender de manera visual. El dibujo tiene una capacidad de síntesis que no tiene la palabra. La imagen, a diferencia de las letras, no necesita tanto tiempo para ser entendida.

Este año se cumplen 30 años del estreno de Cuestión de fe (1995), película que pasó a ser un clásico del cine boliviano. ¿Qué sería lo que rescatarías, ya sea de la historia o de la técnica fílmica, de aquella obra?

Por suerte la película no ha envejecido tanto. La reestrenaremos este año, con 5.1 de sonido y 4K. Creo que es una película que envejeció bien… Es como un símbolo. Pienso que es una de las películas que reflejaron el sentimiento democrático: aceptar al Otro, amistarte con él, pese a que este te perjudique. Ese aprendizaje me parece importante, porque ahora la gente está muy polarizada, no quiere aceptar al Otro; se acusan de fascistas o intolerantes. Yo creo que la democracia que tuvimos desde los 80 fue uno de los momentos más luminosos que tuvo el país; fue donde más se avanzó en muchas cosas, y creo que Cuestión de fe refleja eso, ese encuentro; el Otro se convierte alguien con quien puedes irte a tomar un trago y con quien puedes terminar dándote un abrazo. Como todo periodo, aquel de la democracia tuvo sus cosas malas, hubo políticos que usufructuaron del poder y robaron… Pero más allá de eso hubo grandes avances, como la institucionalidad, y se nos perdonó la deuda externa; éramos el país que tenía más parques naturales. Pero ahora todo eso se ha perdido. Bueno, yo creo que Cuestión de fe tiene todo eso. (El corazón de Jesús sería la contraparte: el desencanto de ese periodo democrático…)

Es una película que está entre el drama y la comedia, igual que Averno… En ambas se toca el asunto de la superstición y las deidades, pero de diferente manera. ¿Crees que estos temas están muy presentes en las sensibilidades bolivianas?

Por supuesto: somos herejes y feligreses a la vez. Creemos en todo; hay mucha presencia religiosa. En este país hay casi todas las religiones; siempre encontrarás a alguien hinduista, zen, cristiano o católico… Pero aparte, la gente ch’alla y en las Alasitas se compran miniaturas. Y ahora creen en el Año Nuevo chino. Es parte de nuestra pobreza: somos un país esperanzado, no realizado… Creemos en muchas cosas a la vez, es como una suma de creencias. Si analizas el pensamiento andino, ves que está cargado de otras religiones y filosofías; hay un sincretismo que da la bienvenida a todo. Si pagas a un kallawaya para que te haga una mesa, pondrá elementos del cristianismo, del marxismo, del pachamamismo… Ahora bien, somos un país de aparentemente mucha tradición, pero a la vez de mucho cambio. Por ejemplo, no se puede cambiar la fecha de Urkupiña; sin embargo, todo alrededor va cambiando… Y al mismo tiempo la tradición pesa mucho aquí.

30 años pasan desde el estreno de Cuestión de fe (1995) hasta el de Averno (2018), tu película más reciente. En todos esos años, ¿cómo cambió tu forma de escribir guiones de cine y dirigir rodajes?

Uno supuestamente debería hacerse más sabio. Me ofrecieron reeditar alguna de mis películas, pero siempre que termino algo voy luego a otra cosa. Pero bueno, en la siguiente película siempre trato de mejorar, de no cometer los errores que cometí en la anterior. En cuestiones de guion aprendí mucho… Si bien en Cuestión de fe ya había llevado cursos de guion, seguía siendo intuitivo. Si algo leí mucho, es sobre guiones (debo tener una de las mejores colecciones de libros sobre esa temática). Entonces, supuestamente mejoré mis guiones.

Cuestión de fe es un road movie sencillo que toca al espectador más allá de la razón; en Averno hay más intención deliberada de hacer símbolos, y por eso hay gente que no entendió la película, pero también hay personas que quedaron alucinadas; esa era la intención. Creo que en esos aspectos cambié; hay mucha más racionalidad en este sentido. Siempre traté de hacer películas como cebollas: para que el espectador elija el nivel de profundidad para entenderlas. Averno es mucho más encriptada, pero hay gente que igual la disfruta como película de comedia. No obstante, también cuenta cosas de la mitología andina, de la propia literatura paceña (como Saenz, etc.).

En los últimos años estuviste dando talleres de cine en el Goethe Institut. ¿Crees que el cine, más allá de ser entretenimiento, puede formar una conciencia crítica en los estudiantes que se inscriben en tus cursos?

En realidad, doy talleres desde los 80. Es una manera de devolver lo que uno sabe y ordenar sus propios pensamientos. En esos talleres, además, reclutas gente (ríe). Son tiempos difíciles. Se hace poco cine en Bolivia y de las últimas 10 películas, tres tratan sobre influencers y youtubers. Como en los teléfonos inteligentes hay muchas herramientas para hacer videos (hoy con una inversión de 2 mil dólares podrías hacer una película, cuando antes necesitabas unos 200 mil en equipos) y hay programas de edición, se puede hacer buenos videos, pero ya todo el mundo siente que es un buen cineasta. Y no es así. Tampoco hay suplementos de crítica o reseñas. En todas las ciudades grandes del mundo, semanalmente encuentras las críticas de las películas, los discos y libros que se estrenaron; aquí no hay eso. Si preguntas a una persona qué películas están en cartelera actualmente, no sabe; debe ir al cine a enterarse allá, lo cual no tiene sentido, porque se debería ir al cine porque le gustó una determinada obra. No debería ser una actividad aleatoria.

Cuando yo estudié cine, me di cuenta de que era un ignorante y de los que menos formación cinematográfica tenían. Ahora bien, aquí en Bolivia no hay una cultura de hacer ciclos de cine, no hay costumbre cinéfila. Si hay cineclubs, son muy pequeños y la cartelera de los cines es bastante pobre: no hay, por ejemplo, una película hindú, una de festivales, una de cine alternativo, una de cine independiente, una de autor consagrado… Hay que admitir que somos bastante ignorantes. El streaming ayuda, pero en general es muy poco lo que se ve.

¿Cuál crees que es el valor del cine en una sociedad y cómo piensas que la sociedad boliviana se vio influenciada por el cine en todas estas décadas?

Cuestión de fe tuvo 300 mil espectadores registrados, pero hasta ahora hay flotas que la siguen pasando de manera pirata (ríe)…, lo cual no se puede medir. Pero me imagino que sí influenció. Las películas de Sanjinés influenciaron. Sin embargo, el arte no te cambiará una sociedad y creo que sería una ingenuidad pensar que tu obra la podría cambiar. Si quieres cambiarla, entra en política. El arte tiene otros valores; puede ayudarte a vivir por dentro… No conozco a una persona que pueda decir: “Este político me cambió la vida” (aunque sí te la puede joder), pero sí a varias que pueden decir: “Esta película o este libro me cambió o marcó”. El arte habla a una persona, no a una sociedad. Puede cambiar a ciertas personas. Habla al alma, al espíritu, no a la razón.

En Bolivia los artistas lo pasan muy mal, porque hay una sociedad que valora poco el patrimonio; por ejemplo, vas a los libros viejos y ves cómo nietos venden las bibliotecas de sus abuelos o ves cómo usan las casas de sus abuelos para levantar edificios…, que las pinturas de los pintores no existen más. El patrimonio se lo vende.

¿Cuál sería tu mirada crítica sobre el mundo cinematográfico boliviano?

Funciona muy poco. Nos engañaron… En diciembre de 2018 se implementó la Ley de Cine, pero hasta ahora no hay nada, no tiene reglamento… Ya son siete años de eso. Estamos muy abandonados en ese sentido. No hay una protección, no hay incentivo… Y una película es como la carta de presentación para afuera… Hace muchos años, por ejemplo, hubo un comercial que se hizo en Bolivia para Japón, sobre el Salar de Uyuni. Terminaba con personas que miraban el cielo estrellado… y es por esa pieza audiovisual que todavía vienen muchas personas: para ver el cielo estrellado, no el salar. Entonces es evidente: la gente quiere ir a París o Nueva York porque los vio en el cine. Casi todos los países que tienen cine, tienen academias y sindicatos fuertes. Aquí todos están sindicalizados, pero no los cineastas. Hay además grupos aislados y peleados entre sí, y obviamente divididos se trabaja menos que unidos.

Yo era miembro de la Cinemateca, pero luego tuve discrepancias. Creo en la institucionalización… Espero que les vaya bien, les tengo mucho cariño. No sé cómo estará ahora; dejé de ir. Sí sé que hay algunos cambios y espero que sean para bien.

 

Hablemos de tus dibujos… He visto muchos que están en tu perfil de Instagram, que es para muchos artistas una especie de galería virtual.

El dibujo tiene muchas variables: ideas fijas, conceptos o maneras de entender la sociedad. Puede explicarte lo que pienso de un burócrata o lo que es una bestia… Pero también tiene una variante política o puramente plástica, sin necesidad de ser abstracto. El dibujo tiene la capacidad de explicarte las cosas (cuando hago cosas abstractas, son para mí, para las composiciones de mis películas), transmite una idea clara, es como el plano de un puente. Tiene algo de humor y a veces, el valor de la obra de arte: textura, plástica… También tengo retratos de gente inexistente, que es el valor del arte mismo.

Expongo poco porque publico en Instagram y en un blog; ese es el público que tengo, que deben ser unas mil visitas por mes. Cuando expones no llegas a tanta gente; tendrás 100 invitados en la inauguración y 100 o 200 durante toda la exposición… para 20 dibujos. Y vendo poco, pero vendo… Los precios de los dibujos enmarcados pueden oscilar entre los 500 y los 1000 bolivianos. Generalmente, me compra la gente joven que me escribe. A veces, mandar afuera es difícil, porque además ya no tenemos correos. Somos un país aislado condenado al courier.

¿En qué momentos de tu día dibujas? ¿Cómo es el proceso creativo?

Generalmente me levanto y dibujo en las mañanas, pero dibujé durante mucho tiempo en los momentos de espera, en las horas muertas, en las reuniones… Tengo agendas en las cuales lo hago. Dibujo sin sentido… de repente una forma, algo que copio, algo que me gusta… Y después ya paso al papel algunas de esas cosas. A veces estudio dibujos de otros dibujantes, los miro y estudio cómo los hicieron; a veces dibujo de memoria, pero además es por épocas, porque ahora, por ejemplo, me copio a mí mismo. Uso lápices de colores, acuarelas y tinta. En general, es mixto lo que puedo hacer. Lo interesante es que los pintores, como los literatos a los cineastas, generalmente miran desde arriba a los dibujantes. Yo rompo todo aquello y rescato el arte en plena libertad, que de repente no tiene la valoración de toda la comunidad, pero sí fieles seguidores.

Hace poco se lanzó el libro Genio y figura, de Juan Carlos Salazar, cuyos textos están acompañados por dibujos tuyos, los cuales se fueron publicando en el suplemento LetraSiete, del desaparecido Página Siete. ¿Podrías contarme algo de esa experiencia?

Me invitaron para que dibuje. Me decían sobre el personaje que debía retratar, como ser Cantinflas, y nada más. Lo interesante era que los mejores retratos que hacía, a la gente no les gustaba porque no se parecían al retratado. Pero creo que los mejores son aquellos que agarran el alma de la persona, porque si no, para eso agarro una foto y le saco una fotocopia o la calco.

Era como un juego. Generalmente tenía cierta relación o una manera de acercarme a la persona retratada, y a veces coincidía plenamente. Pero también hay muchos dictadores y autócratas a los que dibujé, como Pinochet. Sin embargo, en el caso del libro del Gato, eran casi todos queribles. Por ejemplo, de Violeta Parra me atrae mucho más la historia de amor que tuvo; era una persona muy insoportable, muy tóxica. La gente dice que ella no cantaba bien, pero en el fondo ella canta lo que es. Entonces, mi percepción de ella es totalmente diferente de como fue; es una visión crítica, como una persona que no fue agradable, sino hosca, difícil.

Finalmente, como artista, ¿cómo ves el panorama social y político boliviano?

Se empobreció mucho. Actualmente, ¿qué es lo que tienen los políticos? Ego. En el siglo pasado, si querías ser político, mínimo tenías que ser abogado, o economista, o sociólogo; era una condición sine qua non, una condición mínima… Ahora no; más bien debes meterte a un sindicato o una federación. No son personas que se formaron. Hay sociedades que aún eligen al mejor, al más destacado, que puede no ser un académico. Pero aquí hay un nivel muy bajo. Se sienten iluminados, y por eso creen que toda la sociedad tiene que ayudarlos para que liberen a aquella. Es un círculo vicioso alimentado por el ego… Y actualmente no hay pensadores políticos. Y los que hay, están repitiendo teorías; no hay pensamiento propio. Hay una intelligentsia paupérrima en Bolivia; si la gente no lee, si no hay suplementos culturales, ¿de qué intelligentsia podemos hablar? Y hay mucha política de calle…  No hay combate de ideas, sino cancelación. Por ejemplo, todo el pensamiento del liberalismo y antimovimientista ha desaparecido. La BBB tiene ausencias porque este era fascista, aquel era machista, el otro era camba, verde o azul…